Cautivas

Siempre cuando uno entra a una sala de Arte intenta centrar la mirada en una obra principal, por ejemplo en la mas llamativa, en la que esta con menos distractores o tiene buena iluminación y colores, pero esto no pasa con las obras que se están exponiendo de Jorge Brantmayer, en el Museo Nacional de Bellas Artes. Me explico, uno ingresa y de a poco se entera que las mujeres que te rodean en blanco y negro son reclusas del centro penitenciario Femenino Capitán Prat de Santiago, siendo claramente fotografías de rostros pero que representan muy bien su historia.

Cuando uno piensa en el encierro, en los largos años que se pierden adentro de una cárcel, las expectativas de superación sociablemente se hacen más escasas. El Arte dentro de todo y siento que esta obra aun más tiene una mirada de servicio muy activa y no es casual que llame tanto la atención, mentiría si dijera que es la primera vez que veo retratos de personas en riesgo social, pero veo una pureza, una dedicación, una alegría y apoyo común entre el artista y estas modelos que lleva la sala hacia otra mirada, asumiendo además que ellas también te observan y cautivan.

Ahora quizá si las fotos fueran a color, ¿Qué pasaría?, ¿produciría lo mismo?, ¿Habría sido elegida para estar en esa sala? Por lo mismo le pregunté justamente a Jorge Brantmayer del por qué el blanco y negro en esta obra si a sus modelos le había entregado copia a color de sus retratos y me dijo “ellas recibieron una copia en color a modo de retribución (en parte) por su participación en el proyecto, yo no quería agregar otro valor a este recuerdo, no quería cargar de dramatismo el recuerdo de un momento compartido y que no correspondía al resultado final de mi proyecto, no correspondía en definitiva mezclar las intenciones.

El conjunto final se presenta en blanco y negro por que me interesa limpiar de toda anécdota distractiva las miradas y los rostros expresivos de estas mujeres, no hay color exacto de ojos ni de pelo, las ropas no resaltan sino por sus valores de grises y sus texturas, sus pinturas de ojos y de boca tampoco distraen y los fondos son completamente neutros, te das cuenta, vamos directamente al asunto que me interesa. La mirada.”

Y es de esta forma donde entendemos que no hay egoísmo, que estas mujeres sólo quieren olvidar y esperar que el calendario tenga menos hojas cada día. Esas son los beneficios que muchos trabajos dan y en especial el que elegimos algunos. El contexto que se arma en la sala Matta es solo poder mirar a los ojos y no tener miedo. Todos quieren una segunda oportunidad.

31 de Agosto 2007

Made in Corea

Cada vez que ingreso a un museo tiendo a mirar hacia el arriba, hacia la luz tratando de entender las sombras de las obras que se encuentran abajo. Pero esta vez no pude mirar el techo y no fue por encandilarme si no al contrario ya que Do-Ho Suh instaló una escalera rodeada de genero rojo que “pinta” la sala completa dando un contexto esencial para comprender las obras que continúan de Peppermint Candy mi mayor argumento para el desarrollo de este texto.

“En la nueva aldea no se reconstruye si no que se remodela / no es una nueva aldea sino un proyecto de nueva ciudad / Arriba arriba, hacia delante y hacia adelante / un moderno complejo urbano de viviendas pro-ecológico”

Cita Canción "El fantasma de la nueva ciudad"

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Mas de alguna vez hemos comprado o recibido un regalo que sin querer uno encuentra y lee el “Made in Corea” y es así como se acercan las obras en exposición, sin querer, sin mayor sentido mas que el entender qué es lo que pasa con el país que conocemos solo por comercio. Al interiorizarse uno encuentra este realismo que mediante instalaciones, esculturas, música y proyecciones digitales trata de hacerse entender. No hablamos de arcilla, uniformes, fotografías ni grupos sociales; si no de identidad y procesos que cada artista visual entrega distintos significados. De esta forma me gustaría destacar algunas obras que se exhiben hasta el 18 de noviembre en el Museo de Arte Contemporáneo (forestal) tales como Dujin Kim que presenta un televisor apoyado en el suelo y con imágenes de dos pies que se mueven al ritmo de “No place like home” como el nombre de su obra ningún lugar como en casa y que sin querer una voz temerosa e infantil entra en el inconsciente obligando al espectador chocar los zapatos tres veces al igual que dorothy en la imagen, no es fácil deformar un icono infantil tales como la sirenita, la cenicienta y la bella durmiente que hace algunos años atrás la veíamos irradiando perfección y hoy la encontramos con un ojo y dentro de un corazón compartiendo espacios con vidas tan distintas.

Dongwook Lee nos entrega minutos eternos de silencio al ver el gigante verde, marinero, siete, vitamina, yo deseaba, vuelta en auto y delfín seguro siendo el dolor de seres muy bien terminados, diseños de humanos pequeños e idénticos a los reales manejando de inmediato nuestra conciencia y haciéndonos comparar con marcas y animales. June-Bum Park para el desarrollo del rompecabezas necesita que juegues al igual como lo hacías cuando eras niño y juntes piezas con otras similares mentalmente hasta formar una idea, así se desarrolla audiovisualmente personas con mesas, sentadas en sillas intentando caber donde hay poco espacio al igual que su otra obra anuncio, existiendo mas reglas que guías. conDo-HoSuh con uni-form propone esta ringlera perfecta de vestimenta escolares, donde logra imponernos un acto de presencia sacándonos del contexto y llevándonos crudamente a las columnas, a ponernos al lado de cada uniforme, quedando a nuestra altura y mirando a nuestro compañero para no romper filas. Una reseña histórica grandiosa donde por fin olvidan los uniformes escolares con sabor a guerra.

Podemos pasar horas hablando de las obras coreanas y la exposición, podríamos comentar la audiencia y separar por géneros, pero basta entender que cada obra tiene una historia al igual que su país y como éste el final solo depende de quienes manejan la información.

13 Noviembre 2007

Relígare

Desde mis ocho años fui a colegios católicos, donde el currículo de la directora siempre decía que había pasado por algún convento. Recuerdo algunas cosas de mi estadía en colegios del Arzobispado, por ejemplo si faltaba el profesor de Religión siempre había alguien que sabia rezar y lo reemplazaba, los primeros quince minutos de cada día debíamos hacer una oración aunque los lunes era con todo el colegio, teníamos un altar con una Biblia que nosotros mismos habíamos comprado, todos los jueves teníamos misa, “el Padre” nos daba chocolates por ir a confesarnos, cada curso tenía cruces en la muralla, debíamos hacer letreros gigantes para ir a todas las caminatas que la Vicaría decidiera, me sabia parte importante del cancionero católico, preparábamos misas para la comunidad, asumo a ver hecho en algún momento catequesis y haberme bautizado y confirmado por que el colegio lo necesitaba sin ninguna decisión previa. Así la religión llega a mi vida, por necesidad de terceros, pasando de ser una opción a una obligación.

Ahora, cada vez que uno plantea la religión como tema sobresalen variadas interrogantes y propuestas, estamos hablando de temas cercanos a las personas, que de una u otra forma tienen conocimiento de ella tomándolo muy propio y sin querer empezando a descubrir y mezclar el fanatismo, con religión, con creencias, con el perdón, el abuso de poder y las políticas de vida.

En definitiva comprende un estereotipo donde éste es parte social y cultural en nuestras vidas, el tiempo ha hecho que hoy pueda hablar de la religión y quienes son sus mejores corderos, éste ha hecho que tengamos una concepción de cada una de ellas, todo el conocimiento que se tiene frente al tema hacen que hoy pueda llamarse estereotipo

Hoy he querido centrar el proyecto para destacar la imagen pura, abierta, recatada, sabia y establecida de monjas dentro de su convento siendo parte de su vida junto con Dios.

Para el desarrollo de éste trabajo, utilizaré, trípode, cámara análoga, luz natural (rebote) y focos. De todas maneras tendrá una iluminación baja para provocar un espacio armónico y donde “la hermana” sea realmente la protagonista sin dejar de lado el espacio.

La pose de la “modelo” será en Primer Plano y cuerpo entero, en éste último punto se agregará el espacio donde habitan, además las poses serán naturales y espontáneas. La vestimenta es lo que lleven puesto, en éste caso un hábito.

Amén

Racionalidad Analitica

¿En que sentido puede hablarse de una racionalidad analítica a propósito del conjunto de métodos y técnicas que Focault denomina disciplinas y desde qué perspectivas esta propuesta constituye un paradigma para el desarrollo contemporáneo de una analítica filosófica del poder?

Cada vez que nos vamos acercando a la filosofía de Focault encontraremos las perspectivas que él tiene ante el uso y el des-uso del cuerpo como objeto de poder, de esta forma se lograran los objetivos del cuerpo como ente de enseñanza que puede ser sometido, utilizado, transformado y perfeccionado. De esta forma para poder hablar de una racionalidad analítica debemos entender que es la capacidad del hombre para ocupar a trabas de la razón el análisis de algo.

El papel que juega la racionalidad como análisis se divide en métodos y técnicas para así comprender y disciplinar mejor al ser humano.

La disciplina (docilidad-utilidad) es clave para las proyecciones que Focault propone, tanto como un vínculo que, en el mismo mecanismo, lo hace más obediente y útil, logrando una manipulación calculada. Pero obteniendo muy escasamente razonamiento, si no sólo un mando, así el poder también jugará un papel fundamental para explicar y desde ahí comprender como ejemplo la formulación de éste.

“La disciplina fabrica así cuerpos sometidos y ejercitados, cuerpos “dóciles”

Cuerpos Dóciles, Página 142.

Para hablar de racionalidad analítica es necesario comprender que el “sujeto” será enseñando para cumplir ordenes socialmente, resultando un sujeto útil y no un problema. Y es aquí donde también podemos alcanzar el panoptísmo y darnos cuenta como la racionalidad también tiene un espacio pero restringido y que aquí también se logra. Sin ir más lejos, el colegio; donde se va ha aprender y recompensar.

[…] el espacio escolar como una máquina de aprender, pero también de vigilar, de jerarquizar, de recompensar.

Vigilar y Castigar. Página 151.

Pero también nos hará seres pensantes, seres que pueden comprender y analizar escenas y hechos, pero a mi parecer en un margen que ya ha sido riguroso en su formulación, marcándonos una base, pero no impidiendo un razonamiento.

Quizá para lograr mucho más fuerte este proceso, debemos acercarlo a nuestra época y referirnos también a la pregunta final, entiendo que desde las perspectivas propuestas es un tema totalmente contemporáneo, donde los ejemplos mas fuertes se trazan en un colegio laico, en una cárcel en isla o mas aún en los trabajos diarios y desde aquí provoca un paradigma para el desarrollo contemporáneo. Estamos hablando de temas totalmente cercanos donde la filosofía tampoco los quiere dejar y por lo visto nosotros menos. Estamos tratando con hechos fundamentales que nos dan a entender que esto no es totalmente un razonamiento y que algo más se puede hacer por nuestro actuar y pensar.

Profesor: Rodrigo Zuñiga

Octubre 2005

Pablo Rivera

PABLO RIVERA
Recuerdos de viaje (Forma de Vida)
2003
Impresión Digital
Sobre Platos de Loza
Dimensiones Variables

Fotografia: MAC

La obra de Pablo Rivera se compone de 17 “platos de loza” que muestran fotografías en impresión digital en el centro, guiado por una línea recta que entrecruza una de las paredes del MAC.

De esta forma desglosamos puntos fundamentales que W. Benjamín no dejaría pasar. Estamos tratando con una reproductividad técnica dando singularidad a la obra y siendo un único serial. El autor a investigar mencionaba que cada obra es única (noción de unicidad) al tener un aquí y ahora, no olvidando esta idea de Aura Barroca que comprende la misma proposición y complementando la definición de “no mismisidad y siendo singular”


Rivera cuando habla y se presenta a la obra, intenta aclarar esta ocupación de espacio por necesidad, de hecho lo comentaba también uno de los visitantes al museo; como el plato y la arquitectura “casera” o sin estudios daba la impresión de lo cotidiano que puede ser esta intervención a la estructura base.


Es aquí donde también W. Benjamín nos hace entender que la arquitectura progresa, crece o se desarrolla no solo por una necesidad del ojo si no que también por lo que socialmente se quiere.

Las imágenes que centran cada plato de la obra, son fotos de casas o “block” con ampliaciones, estando plasmadas en los platos con una impresión digital y es aquí el siguiente tema. La fotografía como la máquina o fábrica industrial asustan a la paleta, el yeso y todo lo que implique tiempo y paciencia. Sin ir más lejos y lo conversábamos con Willy Thayer en clases; registra la transformación, siendo un problema la separación de Arte y Fotografía, pero que finalmente terminan trabajando juntos como también en “Recuerdos de Viaje”.


El valor exhibitivo de mostrar lo que es y como es dando cercanía al espectador. De aquí comprendemos también el culto estético que es donde se suspenden la mayoría de los intereses mundanos y el espectador finalmente entra en la obra.


Así comprendemos definitivamente que platos de loza, pintados a su alrededor con fotografías de arquitectura contemporánea y reformulada por necesidad una serigrafía que muestra sin filtro lo que el espectador a ratos obvia. Una identidad de imágenes en un contexto y material singular que hoy nos hacen pensar de un vivo proceso escrito entre 1935 y 1936 y que nos detienen en una obra como ésta.

Espacios fundamentales que hoy nos hacen comprender como el ojo, la mano, el arte, fotografía y técnicas son partes importantes para entender qué es obra hoy.

Profesora: Carolina Herrera

Junio 2006

Modernismo; uso del cemento

Cemento hermano oscuro,
Tu pasta nos reúne,
Tu arena derramada
Aprieta, enrolla y
Sube, venciendo piso a piso

El hombre Pequeñito
Taladra, sube by baja,
¿Dónde está el individuo?
Es un martillo, un golpe
De acero en el acero
Un punto en el sistema.
Y su razón se suma,
Al ámbito que crece.

Debió dejar caído
Sus pequeños orgullos
Y elevan con los hombros
Una cúpula, elegir entre ellos
El orden, y compartiendo
La sencillez metálica
Debajo de las inexorables estructuras

Pero, todo sale del hombre
A su llamado
Acuden piedras y se elevan muros
Entra la luz a las salas
Y el espacio se corta y reparte.

Oda al edificio, Pablo Neruda

Cuando nos planteamos a un tema tan evidente como el edificio y que lo intenta sintetizar en el texto anterior Pablo Neruda, de inmediato nos imaginamos la ciudad, ruidosa, con características visibles que hoy hacen llamarla así… Podríamos hacer un resumen histórico y deducir que cuando se funda la ciudad de Santiago (mi más claro ejemplo) en febrero de 1541 y Capital de Chile en 1810 no se pensaba y por lo mismo no estaba preparado en lo que hoy puede ser, hablamos de menos de la mitad de habitantes que hoy tenemos.

El viernes mientras iba en la micro quedé pensando el tema que conversamos en clases, miraba el suelo, las paredes, los pilares, las casas, la torre ENTEL, el metro, las municipalidades, la Alameda, los negocios y me di cuenta que todo lo que miraba estaba hecho de cemento y de una u otra forma siempre ha estado ligado con la globalización, claramente no lo conforma 100% pero donde esté, esta el cemento.

Quise exponer un pedazo de éste material y que novedosamente se empleó por primera vez en 1824 por el fabricante inglés de cemento Joseph Aspdin, debido a su parecido con la piedra de Pórtland, que era muy utilizada para la construcción en Inglaterra, de ahí que somos un gran comprador de éste, (los productores con mas demanda son La antigua Unión Soviética, China, Japón, Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia, España y Brasil) de una u otra forma la clara de huevo y adobe no es para nosotros, puede tener un folclorismo importante al hablar de historia, pero evidentemente no es lo que queremos hoy.

Es difícil deducir y sentir los cambios tan relevantes, de hecho en los dos años pasados el cambio de la calle en la Alameda solo nos avisa al ver todo en construcción, pero notar un cambio sustancial no lo es, no nos preocupamos de ello. La ciudad cambia para ser ciudad y capital y ya está.

La tierra es sinónimo de campo, de paleolítico y neolítico, de despreocupación, solo basta pensar en el aseo de la casa el fin de semana, mientras menos tierra mejor, y no estoy en desacuerdo con ello, al contrario es higiene, por lo mismo hemos ido aceptando que si la ciudad tiene menos tierra y respeta nuestra pasta de zapatos y en sí nos da “comodidad” entonces; bienvenida sea la idea.

Es inevitable dejar de nombrar el Metro, los pilares y toda la estructura que esta hecha de cemento y cable, y si escuchamos o leemos la prensa nos damos cuenta que eso nos acerca para ser un país desarrollado y así mas avanzado en Latinoamérica.

El cemento y cables no es mi problema y menos el objetivo para llenar esta hoja de argumentos, si no, que es para comprender que el modernismo queramos o no esta ligado en un gran por ciento con el cemento y la corriente, leía sobre el renacimiento y hablaba de la imprenta, el teléfono y que de una u otra forma está ligado con los avances relevantes que hemos tenido, pero siento que eso ha sido solo una “coma” en el gran cuento que es éste, no lo quiero desmerecer, al contrario, avanzamos mucho, pero a la vista y lo que realmente sentimos, palpamos es el cemento y la luz, y si vamos mucho mas atrás se perfeccionó gracias a estos dos elementos.

Fotografía: Juan Pablo Vega

Modelo: Linda Calderon

Valparaiso

Pero entender que estamos tapando y re-novando lo que en algún momento puede ser historia, no me es tan fácil. Todo lo que deriva el modernismo, como se hace parte positiva y agradecida de un país que esta sediento por sentirse desarrollado…

Quiero terminar este tema pensando que la globalización nos ayuda en algo, sin duda las mayores muertes que se ocasionaron en el Norte fueron por construcciones de adobe, pero era uno de las regiones con más historia en tierra, el cemento y la corriente ha sido la propuesta que hoy he querido exponer y por sus discutidos beneficios y evidentes al momento de hablar de modernismo. Salgamos a la calle y por ultimo estudiemos el aceite o chicles que hay en suelo, por que piedras y vegetación es mínima… Solo me queda lamentar lo que es capital, modernismo y desarrollo en un país que a diario critica una falta de identidad, hoy además de exponer cables y un pedazo de cemento ya trabajado, he querido agregar una crítica, por eso el desarrollo de este texto … Bienvenidos a la era gris.

Octube 2005

Serie Bichos

“¿Cuál es la naturaleza de la distancia que media entre mi cuerpo y el mundo? ¿Por qué no puede el cuerpo - no sólo el cuerpo del sujeto, sino el cuerpo social mismo - liberarse del dolor?

Lygia Clark

Cuando pensamos en los inicios del registro en el Arte y lo comparamos con nuestros días, nos damos cuenta de los cambios potentes que va mostrando el hombre al caminar por los años.

A veces perdemos el rumbo de nuestras vidas y ya cuando realmente nos damos cuenta de dónde estamos, el mapa está de sobra... Siento que no nos atrevemos ha abrir la ventana y a mirar todo lo que podemos realizar, darse el tiempo de poder crear y perturbar el ojo, sentir las manos húmedas que sólo una obra las seca...

En el siguiente análisis quise ligar profundamente a Lygia Clark, además tuve acceso a una de sus obras y pude sentir lo que ella en algún momento pretendía... Es difícil tener dirección “a bichos” y hablar con tanta cautela y base de lo que puede ser; ahora, pude ver solo una obra de ella y éste será mi mas fuerte ejemplo.

La obra “de la serie bichos” está hecha de aluminio, por lo mismo a la vista es algo lavable, no oxidable, movible, que es parte de nuestra sociedad, de la cocina, o la ventana; pero en un formato amable e inconsecuente con la forma.

Uno de los elementos que lleva esta obra y que intenta mimetizarse; es la bisagra la misma que abre y cierra elementos, la que cuida y da un aire renovado, en este caso nos da movilidad, la capacidad de sentirnos artistas con un elemento ya hecho.

Cuando pasaba y veía la obra de Juan Carlos Distefano “tres versiones” sentía nuestra postura, vernos en tres versiones distintas, con colores muy bien trabajados, pero que “hipócritamente” -muy bien observados- son iguales.

La mayoría de la “obras permanentes” del museo Solidaridad Salvador Allende sobresalen del cuadro regular, del marco bronceado o dorado, intentan estar cerca del receptor y se arrugan la ropa para que inconscientemente uno tienda a estirarla, el ejemplo mas notable es de Manolo Milches la “antropofauna”, Jesús Rafael Soto “tes con brique” o la escultura de metal, de Alberto Guzmán “tensión”. Todas quieren estar y sobresalir por muy metálicas o rayadas que estén... Se crearon por una necesidad y nuestra misión es buscarla... Me emocionaba la obra de Jordi Teixidor que no tenía titulo pero que solo al verlo me daba cuenta que intentaba respirar, que quería ser cinético y mas bien real, quería pintar la sala y llenar nuestros pulmones de vida.

Siento que la idea de Clark y otros artistas no están concluidas, me refiero a que hay un cierto miedo a tocar la obra, lo conversábamos en clases; miedo a que se rompa o que por ultimo no sea el objetivo del cuidador o del mismo autor. Sin ir mas lejos Lygia Clark lo que hace es por una idea de “cura”, de sanar con y para el Arte. Pero... ¿Es así como le respondemos a la obra?

Ya teniendo clara las observaciones del tema principal no puedo dejar de hablar del museo y del comportamiento que había en él; recuerdo que la gente se agachaba e intentaba poner sus cabezas en las mejores posiciones para así comprender y disolver bien el proyecto antes de lograr una idea completa. Pero qué diferente hubiera sido sentarte en el suelo, tomar la obra, manipularla y dejar que las Physioromie de Carlos Cruz Diez te miren e intenten dar colores armónicos y quizá lograr un regreso a la infancia, o mas aun, dejarla arriba o al lado de “Istahan III” de Frank Stella y sentir como la pupila se ilumina y no solo por el brillo de aluminio; si no por los colores que llenan éste, dando una tranquilidad y diversidad a nuestra cabeza...

No quiero ser majadero en la propuesta; pero si hoy vemos con tanta emoción los cambios del Arte, por qué no podemos ver y organizar lo diferente que puede ser el contexto, democratizar de una vez por todas el entorno físico del arte, no quiero que se vea un análisis cerrado, al contrario; abierto y con propuestas... Entiendo que hay Arte didáctico, ¿Pero es tan así en los museos “tradicionales”?, mis ultimas conclusiones se desglosan de lo que viví en el lugar y pensando en los objetivos iniciales de la obra, además el formato y los que expande un museo, lo sintetizan en gran parte esta crítica.

Sin duda se agradece este estilo, aunque claramente se ve pobre hablando de cantidad y el lugar expuesto; podríamos tenerla en el patio, o la entrada del museo, donde los niños y los no tanto; puedan vivir y quizá hacer la tarde dominical un juego en conjunto con el Arte, de una u otra forma necesitamos promover y provocar un terremoto fuerte en el pensar y hacer el Arte un objetivo y solución a la vez.

Junio 2005

Moby Dick Series

¡Ahí sopla! ¡Ahí sopla! ¡Un lomo como una montaña de nieve!

¡Es Moby Dick!"

"El Mediterráneo tiene un sentido trágico solar, que no es el mismo que el de las brumas. Ciertos atardeceres -en el mar, al pie de las montañas-, cae la noche sobre la curva perfecta de una pequeña bahía y, desde las aguas silenciosas, sube entonces una plenitud angustiada. En esos lugares se puede comprender que si los griegos han tocado la desesperación ha sido siempre a través de la belleza y de lo que ésta tiene de opresivo. En esa dorada desdicha culmina la tragedia. Nuestra época, por el contrario, ha alimentado su desesperación en la fealdad y en las convulsiones. Y por esa razón, Europa seria innoble, si el dolor pudiera serlo alguna vez."

ALBERT CAMUS, El exilio de Helena

Frank Stella quizá no sabría en 1936 cuan famoso y atractivo sería su futuro, se da a conocer en la exposición "Sixteen Americans" que organizó el MOMA en 1959 al renunciar al expresionismo abstracto, Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana. En el año 1980 se da cuenta que hay algo mas que “tela plana” y por lo mismo habrá uno de los tantos cambios en la realización de sus obras, dará un giro que lo lleva a formular y actualizar su inquieto taller, desde ahí en adelante el volumen le entregará una cercanía y realismo importante a su trabajo. Ya en el año 1985 y 1997 logrará una serie condensada de obras con el sentimiento y los títulos de Moby Dick, la serie fue inspirada en este texto del autor Hernán Melville, ahora, cuando sabemos que la ballena es parte del libro y cercana a nuestra tierra podemos entender el interés de Stella en distribuir 25 obras en museos de Chile, (sin contar el regalo de 1971 al museo de la solidaridad.) Por lo mismo desde el 13 de abril al 26 de junio 2005 se abren las puertas del Museo Bellas Artes (Chile). Stella por su parte dando charlas y revisando trabajos en la Universidad Católica. Desde estas muestras pude tener una cercanía importante con él y sacar diversas conclusiones como también responder las interrogantes de sus obras y vida...

“Encontrándome, hace algunos años , con muy poco o ningún dinero en el bolsillo y sin nada en tierra que tuviera especial interés para mí, se m e ocurrió ponerme a navegar. Siempre que empiezo a sentir que un rictus sombrío me contrae los labios, que los ojos se me nublan y que la melancolía se me apodera del alma, creo llegado el momento de hacerme a la mar, los mas aprisa posible, lo que no significa que se me ocurra navegar como pasajero.” (1)

Cuando se ingresa al sector de Stella, uno entra en un espacio de arco iris, de iluminar rostros sin ver títulos... De sentir las olas en un piso brillante y frío; eso es lo que provocan sus obras, “El funeral” es uno de sus ejemplos mas fuertes y donde me centraré para profundizar y globalizar Moby Dick; es ver como las líneas trazan una pintura y le dan una forma a colores bipolares, ver como el rojo cálido se degrada hasta llegar al sutil azul que antes solo mezclaba un rojo, como los colores primarios degradados, se cruzan sin quitarle protagonismo a un mezquino pero formado, amarillo.

“ Así, mientras que en vida el cuerpo de la enorme ballena puede haber sido un verdadero terror para sus enemigos, en la muerte su fantasma siembra el pánico en el mundo”

Stella en la charla dejo en claro que el ser “normal” está acostumbrado a “mirar en una caja”, y claramente nunca abrirla por completo y ese es una de las propuestas que entrega al receptor. Lo mas fuerte de las obras de Stella es ver como las “olas” se toman el cuadro e intentan dar realismo a unas ballenas que claramente muestran sus extremidades intentando firmar el titulo insertado por el autor.

Ya lo nombrara anteriormente; 25 obras diseñadas con los materiales mas cautivantes, una “tridimensional exposición”. Entre ellas Juam Estado, Juam El peguod encuentra al Jeroboan, su historia, Una ancha de proa en el Ausacides, El Afadávir, La vigilia de la ballena, Jonas visto historicamente, Stubb & Flask matan a una ballena blanca, La ballena Fosilizada, La ballena estado 1, Ilustración monstruosas de ballena, El funeral, Jonas visto históricamente estado 1, Extractor, El ariete, las velas, entre otras... De esta forma, ya conociéndolas, tendremos un perspectiva de sus obras mucho mas íntegra y por que no decirlo, un complemento de textos.

Sabemos que hoy Stella es estudiado y conocido por Moby Dick... pero no podemos dejar de lado sus murales, sus pinturas, exposiciones, estudios, premios; y como en este caso, “series”. Estamos tratando con uno de los artistas estadounidense mas humanos con Latinoamérica y ese será un premio que valoramos con la popularidad... Sólo basta haber estado el Domingo 17 de Abril del presente año o haber participado de su charla y quizá ahí distinguiríamos cuán importante es para nosotros. Sin duda marca un inicio y un después en el registro “del arte chileno”, en la pintura, escultura, gráfica, imprenta y tantas otras cosas que reúnen sus obras y que las hacen hoy tan destacadas, es difícil dejar de nombrar el video que se exponía en el Museo, ver cómo Frank trabajaba con un equipo ardua y amistosamente, como las imprentas colaboraban con un volumen, la exactitud de los colores, en TODAS las obras podemos analizar lo razonable de la mezcla, como ningún color pierde protagonismo, la “protuberancia” del cuadro forma nuevamente una ola y le da “creencia” al trabajo, lo sabemos, son 12 años que hoy se aplauden y que guarda una historia cautiva y muy bien formada...En fin, un gran aporte para el país y una gran vida que aprender en especial para un estudiante de recién primer año...

“---¿El Barco? ¡Santo Dios! ¿Dónde está el barco?

No tardaron en ver su fantasma que se disipaba. Sólo tenía la punta de los mástiles fuera del agua, mientras que los arponeros, inmóviles por fidelidad o fatalidad en sus antaños altos oteros, seguían vigilando el mar . De pronto, los círculos concéntricos empezaron a alcanzar al bote solitario y toda su tripulación, y todo remo flotante, y toda asta de lanza... y girando vertiginosamente en un remolino único, hasta la astilla más pequeña del Pequod desapareció.” (3)

______
(1) Melville Hernán; Moby Dick (albores); ediciones PROSA; 1996, Santiago – Chile, Página 5.
(2) Melville Hernán; Moby Dick (El funeral); ediciones PROSA; 1996, Santiago–Chile, Página 46.
(3) Melville Hernán; Moby Dick (La caza – tercer día); ediciones PROSA; 1996, Santiago–Chile, Página 87

Mayo del 2005

Matucana 100

Villa C


El miedo a entrar sin pedir permiso,
A recorrer cada espacio de monotonía,
Hablar con gente que no conoces, pero afirmas sentir algo parecido,
A mirar fijamente lo deseado,
A dar vuelta la retina y sentarte en el piso,
Meter la cabeza en un agujero lleno de vida,
Leer de los alambres,
Subirte en un “mini” con ganas de vendar las heridas
Permiso... No hay nadie, ¿Esto es para mí?

Subí las escaleras y mientras miraba por la puerta los libros y cuadros me incentivaban a ingresar, luego desde arriba pude darme cuenta que existía una comunidad y estando ahí debía pasar a tomar té con cada una de ellas.

Me encontré una caja de cambio y al mirar por las ventanas diviso monedas... Eran las que habían desaparecido de un mall, estaban ahí! ¿Cómo llegaron?, fue Erick Beltran quién se dio el tiempo ¿Cómo un cambio puede estar en tantas casas a la vez y dejar un mensaje que no sea "págame"...?

La comunidad tenía muchas cosas que mostrar; además había un olor a pan que guiaba mi camino; este olor ya lo había sentido antes; era mi infancia; era el vivir, era la once y el desayuno, esos que me hacían para llevarlos en mi mochila y que podían estar con muchos ingredientes, siempre tenían alguien que los necesitara; pero también había olor a hambre, afuera decía "PAN PAN", miré discretamente por las ventanas; no había nadie, solo la sombra de Joe Villablanca, entré, las monedas las había dejado, el rito diario estaba duro, ¿Cuánta gente habrá pasado con hambre y por miedo lo dejó ahí?, ya no servía; solo habían rastros y en las paredes escritos de que alguien estuvo ahí, quizá pensó que eran boomerang y solo jugó; eran diferentes a los que había visto en la amasandería; estos tenían historia.

Seguí caminando, había ruido, pensé que habrían niños, además la música de juego me lo proponía; estaba vació, ¿No había un televisor cuadrado de los que veo en las chabacanas tiendas?, Nicolas Grum lo había hecho redondo y un poco sucio me imagino cómo la vida y el recorrido diario que mostraba...

Con el pasar de la exposición empecé a entender que todo por fuera era igual y quizá hasta monótono, pero ingresando todo cambiaba, el barco de Karen Koltermann lo demostraba fuertemente, en su frente una imponente carcaza y aun costado la verdad de su existencia y tan pequeño como el foco que lo alumbraba... ¡¿Cómo la vida cambiaba tanto dependiendo de tu entorno?! Una mediagua que es esperanza para la "pobreza" y que además había sido parte de un show, hoy estaba plasmada y la veían con la retina en el dial de arte, unas estaban pintadas, otras forradas en telas como la de Francisca García y también de cemento como el diseño de Herman Van Ingelgen; pero cada una hacia muecas para dar ha entender que existían!

El circuito abierto no era igual que el cerrado, uno proponía, el otro existía, solo era un mapa y quizá una trampa para llegar exhausto al tesoro.

Pero algo decía que en unas cuadras ya habías conocido a muchas personas y había preguntado y moldeado el camino de cada una de ellas. Iban hacia su tesoro, como tú también.

Habías visto centenares de rostros, gatos, negocios, comida, mini, globo, focos... No lo podía pasar por alto, además mis zapatillas llenas de tierra me delataban.

Entrando a las casas entendí lo de afuera, pero a la vez lo de adentro, entendí que la vida está llena de pistas y que cada una tendrá una historia apasionante.

Sentía mi cabeza una juguera, así es que subí al segundo piso, me encontré el suelo "geométrico" de Rodrigo Yánez, pero me acerque a la ventana a respirar, miré, estaba lo mismo, lleno de mediaguas, niños jugando, tierra, perros, plantas recién mojadas, rejas de madera y que no eran parte de Matucana 100.. entonces recién ahí pude entender la muestra, me di cuenta de que aun no estaba tan adentro de lo que pensaba, pero cada techo tenía un tema, en definitiva... Era la ciudad inserta en una desconfigurada sala que me daba la opción de dormir sin mirar quién entrara...

CIRCUITOS/CIRCUITS Encuentro Internacional de Arte Actual

Abril 2005