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Cultivo zonificado, 2009
6 estructuras metálicas, 144 lechugas, 144 contenedores plásticos.
100 x 140 x 90 cm. c/u.

La lechuga es uno de mis vegetales favoritos, no solo por su sabor y lo fácil que es prepararla, si no por que además siempre la comí pensando en que era una flor al igual que la alcachofa, de hecho esto hizo que tuviera un cierto romanticismo cada vez que la injiriera, hasta que una amiga que estudiaba ingeniería forestal me comentó “las flores son los órganos que contienen la parte reproductora, estambre y pistilo, así que la lechuga es una planta en si misma”.

Bien, lo acepto, pero quien da la sensación de compartir mi creencia es Julen Birke quien expone en Galeria die ecke “Cultivo Zonificado” una obra donde utiliza 144 lechugas plantadas en tierra con maseteros plásticos, haciendo además un paralelo en una pared de la sala de su crecimiento con 8 dibujos utilizando el antiguo juguete que tenia unos moldes con formas y uno ponía un papel debajo de éste e iba corriendo el módulo en circulo mientras marcaba hasta dejar una forma entera. (se ejemplifica en la siguiente foto)

De la serie cultivo zonificado, 2009
Lápiz de color sobre papel grain canson.
8 dibujos.
55 x 37,5 cm. c/u.

Lo interesante es ver una obra que se montó en la galería en un tamaño intermedio por lo tanto va creciendo en la misma sala y todos los días la obra cambia naturalmente, dando un dinamismo autentico donde acentúa el desarrollo y la forma de la planta.

Birke ha destacado no solo por los conocimientos que tiene gracias a sus estudios de arquitectura, licenciatura y magíster en Artes plásticas, si no por que tiene una composición al montar que hace que la obra brille sola, ahora, asumámoslo, los colores pasteles y especialmente el rosado ayudan mucho notándose en sus obras tales como “Siembra” (Autopista Los Libertadores KM 26 comuna Colina. Santiago, Chile. Abril 2002), Subversiones / Imposturas (IV Bienal de Arte Joven, Museo Nacional de Bellas Artes, Enero 2004), "Frutos del País" (Museo de Arte Contemporáneo, MAC, Santiago, Chile. Noviembre 2002) y “Añañuca” (Galería Stiftung DKM, Duisburg, Alemania Diciembre 2005).

Lo que es agradable al ver, es la limpieza al momento de exponer y siendo ésta la gran critica del espectador al hablar del Arte contemporáneo, una obra que esta hecha en piezas pero muy bien pensada al momento de verla como una sola, el contraste del verde con el rosado hace que uno se fascine sin aun conocer el concepto, señores yo fui y aunque queden solo dos días de la exposición vale la pena su visita.

29 de Mayo – 3 de Julio

Lunes a Viernes de 15:00 a 19:00 hrs.
José Manuel Infante 1208, Providencia, Santiago, Chile.

Entrada Liberada

Calor, luz y humo

“Rebeldía, cultura pop y grandes artistas como Salvador Dalí se pegan en el concreto. Y después son trasladados a la sala de arte, gracias a los mil stencils capturados fotográficamente en diferentes ciudades latinoamericanas como Buenos Aires, Bogotá y Santiago. Así nace la vanguardia errante, comprobando que el arte vive y respira en la calle.” [1]

Se entiende que en la antigua Roma y hasta ahora se ha utilizado el stencil como medio de expresión, de hecho al hablar de este tema de inmediato se me viene el nombre de "Banksy", este hombre que pese a su personalidad oculta no le quita protagonismo a sus obras o el Francés "Bleck le Rat" creadores que representan soluciones, criticas e ideas al momento de exhibir obras.

Más de alguna vez se nos ha planteado realizar un trabajo y realmente pensamos muy poco en el oléo y la crea cruda como solución a la tarea, por que los materiales, el lugar y las formas de realizar las obras están variando y eso es claro, literalmente en la punta del cerro -San Cristóbal-  se encuentra el Salon Tudor, -un espacio que se establece en conjunto con el funicular (1924)- que es utilizado como Restaurant en sus incios y finalmente en el 2006 convirtiendose en Galería como lo es ahora. Este espacio es el que utiliza Danilo Espinoza Guerra para mostrar “Umbra Et Imago” desarrollando autorretratos con Estarcido (parecido al stencil actualmente) y pintando este molde de cartón con el pigmento de una llama de vela, jugando con el papel, el humo y el hollín que deja el fuego, son 27 retratos con la misma imagen pero que el material no permite que sean iguales, es aquí cuando el Artista Visual deja de lado los parámetros y se dedica a crear según sus experiencias y anécdotas, donde trabaja el concepto del fuego, el retrato y la historia de éstos a cabalidad, elementos que han servido para limpiar, para dejar tradiciones y creencias, para utilizarlas como medio de expresión y también para eliminar ésta ultima.

Es aquí cuando queda claro la misión que tiene el Arte, el poder crear e innovar utilizando conceptos que salen de la elite y por lo mismo haciendo la diferencia en una actividad racional y en una de bufón. Mejor... Vamos a la punta del cerro a pensar.

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[1] Catalina Scott, Diario La Nación; 14 de agosto de 2008, Columna escrita por Sebastián Labra.

Miradas

COLUMNA ELIMINADA.

Postulando a concurso, al término de éste se expondrá de nuevo.

Llenar

“Mi intención es poder contar una historia inconclusa, para que el espectador la pueda terminar y apropiarse de la obra” [...] [1] 

Llenar una sala de colores, arriesgarse a ocupar tonos como el rosado brillante, con moldes que juegan con la imperfección llama de inmediato la atención, tanto como el mismo Diego Hernández quien estaba ahí cuando asistí a Galeria Moto, sentado en el suelo, con lentes de sol, de inmediato comprendí por que la exposición se llama “Lost”, un naufrago más que ve televisión y trata de asimilar lo que siente con lo que mira, uno más perdido en la ciudad.

Como lo decía anteriormente, tener la sensación y hacer la experiencia una obra, tiene mucho más valor y es mas claro. Eso hace Sofía Donovan en Galería Loewenthal, más de alguno hemos tenido un examen médico donde vemos todo, menos el análisis de la enfermedad, en “Diagnostico por Imágenes” pasa lo mismo, ve mas allá, vemos mas allá, son formas y colores, asumiendo además la connotación y lo fuerte que puede ser para la artista y cada uno.

Seguimos asombrándonos con los colores, Rosario Carmona expone “Diseminación” en Die Ecke, donde usa elementos transparentes en diferentes lugares haciendo una sola obra entregando un blanco invierno, un tanto verdoso que se provoca al unir los materiales. Pero por esta transparencia al espectador le llama mucho más la atención, siendo una obra didáctica por la posibilidad que da de verla en cualquier posición, provocando así diferentes luces y perspectivas.

Finalmente llegamos al punto inicial de muchos artistas visuales, que es en definitiva unir la experiencia de vida y de ésta hacerla pieza. Es crear pensando en la historia, en un examen que marca mi vida, hasta la sensación que tengo en una ciudad, es crear mas allá por ser catalogado como artista; si no por necesidad. Estos exponentes se relacionan no solo por presentar en Galerias si no por la importancia que le dan a los colores, claramente llama mucho más la atención Diego Hernández, por las obras que llegan a ser casi dibujos animados, pero que tal Sofía Donovan y Rosario Carmona, donde en la transparencia encuentran tonalidades y colores, sumándole los espacios, las experiencias y las historias que nos adjudican una obra.

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[1] Revista Joia (edición #3), Juan Martínez Bengoechea cita de opinión sobre su exposición “Viaje imaginario”